MAMA, LA ARAÑA MONUMENTAL DE LOUIS BOURGEOT EN ATENAS

“Mama” (1999), la legendaria araña gigante, una escultura monumental de la artista francesa Louise Bourgeois (1911-2010), fue presentada al público griego por la Fundación Neon y Stavros Niarchos. Esta obra monumental, que dio fama internacional al artista, se exhibe en la explanada frente a la Ópera Nacional de Atenas hasta finales de noviembre.

El cuerpo de la araña, con sus entrañas en forma de envoltura y sus ocho patas, crea una experiencia arquitectónica única que actúa como metáfora del hogar, su compleja red de relaciones humanas y su interdependencia. “Mamá” también refleja sentimientos ambiguos, contradictorios y complejos sobre la propia experiencia de maternidad de la escultora. Dominando el entorno y levantándose sobre piernas abiertas y articuladas, “Mama”, de más de diez metros de altura, evoca miedo y sugiere cautiverio. Dos décadas después de su primera presentación en Londres, “Mama” sigue planteando temas de intimidad, convivencia y problemas compartidos.

Dominando el entorno, “Mama”, de 10 metros de altura, es una metáfora del hogar, su compleja red de relaciones humanas, pero evoca miedo y sugiere cautiverio.

“Todo lo que hago está inspirado en mis primeros años de vida”

El primer “Mama” se creó como un encargo para el Turbine Hall de la Tate Gallery y luego se fundió en bronce, acero inoxidable y mármol. Con veinte huevos de mármol en su estómago, la escultura encarna la idea de protección materna. Bourgeois afirmó que “Mama” es un símbolo de su madre, tejedora y restauradora de tapices, con quien estuvo muy unida y cuya temprana muerte la obligó a utilizar el arte para explorar sentimientos de pérdida y abandono.

“Mi mejor amiga era mi madre. Era reflexiva, inteligente, paciente, tranquilizadora, sensata, gentil, sutil, necesaria, pulcra y útil como una araña”, testificó Louise durante la exhibición de la primera araña hecha de acero en el Museo de Brooklyn. en 1994, casi cincuenta años después de que hiciera su primer dibujo de una araña.

A través de su arte, Louise Bourgeois expresó sus pensamientos y miedos más profundos, resolvió problemas y dio forma a sus sentimientos. En grabados, dibujos, textiles, instalaciones y, sobre todo, escultura, Bourgeois exploró temas de culpa, miedo, memoria, maternidad y amor. Su arte se inspiró en su vida, especialmente en sus años de infancia.

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A pesar de su tamaño y miedo, la escultura del huevo de mármol también simboliza la maternidad.

Una apariencia de armonía familiar.

Louise Bourgeois es la segunda de tres hijos de una familia que restauraba y vendía tapices medievales y renacentistas. Las referencias a su infancia se pueden ver en su obra de arte y se derivan de su relación con su padre dominante e irritable, pero también como resultado de la enfermedad y muerte de su madre. Bourgeois hizo frente a los arrebatos de su padre en la mesa del comedor familiar haciendo pequeñas figuras de pan, un ejemplo temprano de su hábito de toda la vida de lidiar con sus sentimientos con las manos, y luego arrancándoles las extremidades y comiéndoselas.

Mucho más tarde, reflexionó sobre ese período en la instalación “La destrucción del padre” (1974), una escena iluminada en rojo, que se asemeja a una boca con lengua y dientes, o una cueva que contiene una mesa de comedor abstracta rodeada de asientos redondeados. “Mi infancia nunca perdió su magia, nunca perdió su misterio y nunca perdió su drama. Me niego a dejar ir ese período porque, por doloroso que fuera, era la vida misma”.

La infancia aparentemente convencional de Louise Bourgeois se ve interrumpida por la llegada de Sadie Gordon Richmond, una institutriz que fue nombrada por su padre para enseñar inglés a los niños y que luego se convirtió en su amante. Su esposa Josephine soportó nuevas circunstancias familiares, pero el trauma del deseo, el secreto y la ansiedad de este período atormentaron a la pequeña Louise. Posteriormente, en la obra, su enfado personal hacia la figura paterna se convirtió en un ataque conceptual feminista al patriarcado.

Bourgeois, estudiante inquisitiva y lectora voraz, sobresalió en la escuela a pesar de tener que cuidar a su madre, quien nunca se recuperó por completo de la gripe española, de la que murió en 1932. Poco después, Louise se matriculó en la Sorbona para estudiar geometría, disfrutando de la previsibilidad y estabilidad de temas que estaban tan en desacuerdo con su educación. Sin embargo, muy pronto sobrevino un episodio de profunda depresión, el primero de muchos que viviría, provocado por sentimientos de abandono y culpa tras la muerte de su madre.

Entonces Louise Bourgeois decidió estudiar arte y se encontró en el corazón de la escena artística parisina en la década de 1930. Vivió en el edificio que luego albergaría la galería “Gradiva” del surrealista Andre Breton, y uno de sus maestros fue Fernand Léger, quien la animó a ser escultora.

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Retrato de Louise Bourgeois por la cámara de Robert Mapplethorpe (1982); la artista sostiene su escultura “Niña” (1968) en la mano

La carga de la carrera, la maternidad y el matrimonio

En 1938, en una parte de la galería de tapices de la familia en el Boulevard Saint-Germain, Bourgeois abrió un pequeño espacio donde vendía grabados y libros ilustrados. El historiador de arte estadounidense Robert Goldwater (que luego se convertiría en director del Museo de Arte Primitivo de Nueva York) fue a ver sus grabados y los dos se casaron solo tres semanas después. En el mismo año, se mudó con él a Estados Unidos donde comenzó a construir su carrera artística.

Después de llegar a Nueva York, la vida de Louise Bourgeois se llenó de numerosas obligaciones. Además de su carrera artística, también dio a luz a tres hijos. Su ansiedad y resentimiento ante las exigencias de la maternidad y el matrimonio afloraron en la serie de pinturas La mujer de la casa (1946-47), en la que una casa o edificio reemplaza la cabeza de la mujer de modo que el ama de casa parece pesar sobre los hombros de la mujer, quitándole identidad y exponer su desnudez. y un cuerpo vulnerable.

Tras dos exposiciones independientes de pintura, en 1945 y 1947, Bourgeois abandona el medio y se dedica definitivamente a la escultura.

“Todos los días tienes que dejar ir tu pasado o aceptarlo, y luego, si no puedes aceptarlo, te conviertes en escultor”, explicó Louise Bourgeois. Trabajó en el techo de su edificio de apartamentos creando “Personalidades”, una serie de esculturas de madera antropomórficas pero abstractas que estaban ligeramente desequilibradas y evocaban la verticalidad de los rascacielos a su alrededor. Expuestas sin pedestal y colocadas una al lado de la otra, las esculturas obligaban a los espectadores a abrirse camino a través de ellas como si estuvieran pasando a través de un grupo real de personas. Para Bourgeois, estas esculturas representaban a amigos y familiares que quedaron en Francia.

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La instalación Destrucción del padre (1974) que se asemeja a una boca con lengua y dientes o una cueva que contiene una mesa de comedor abstracta rodeada de asientos redondeados.

Reconocimiento académico

En 1951, murió el padre de Louis Bourgeois, lo que provocó otro período de larga depresión. De 1952 a 1963 se alejó del mundo del arte y pasó por un período de intenso psicoanálisis. Cuando apareció fue una reinvención y un lanzamiento artístico. Sus nuevas obras biomórficas y corpóreas, exhibidas en 1964, estaban hechas de materiales orgánicos y maleables: yeso, látex, caucho y resina fundida.

Tras la muerte de su marido en 1973, Louise Bourgeois enseñó en varias escuelas de arte de Nueva York, y continuó su labor escultórica con “La destrucción del padre” (1974), obra que la muestra como pionera de la instalación, forma de arte que explorado desde 1991 hasta su muerte.

En 1982, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una retrospectiva de la obra de Louise Bourgeois, que le valió el reconocimiento mundial. Una década más tarde, representó a Estados Unidos en la Bienal de Venecia, y sus obras se encuentran en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno y el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, la Tate Gallery de Londres, el Centro Georges Pompidou de París…

Louise Bourgeois murió a la edad de 98 años el 31 de mayo de 2010. Fue y sigue siendo ampliamente reconocida como una de las artistas más influyentes del siglo XX, porque su arte no es una mera autobiografía. Sus obras, basadas en la consideración de episodios del pasado, están profundamente conectadas con el presente. Louise Bourgeois hace una inmediata y profunda invitación al espectador a interpretar cada obra de nuevo según su estado físico y psicológico actual, tal como ella misma lo hizo.


Source: Balkan Magazin – Aktuelnosti by www.balkanmagazin.net.

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