Todavía me cuesta entender la palabra “artista”, porque parece pretenciosa y, a veces, se usa sin sentido. La gente lo usa como plantilla.

El arte se ha convertido en un fenómeno excluyente, contaminado por objetivos comerciales y políticos, dice Adina Plugaru. La necesidad de escandalizar e impresionar suele ser más importante que la necesidad de expresar. Adina cree, sin embargo, que el propósito del arte es enriquecer a cualquiera que lo mire, sin importar la educación, la cultura o el nivel de vida. En la exposición “Percepción solo para uso personal”, que tuvo lugar recientemente en Venecia, las emociones juegan un papel principal. Captan la textura y el contorno, se traducen al lenguaje universal de la imagen.

La parte más difícil es cuando expongo las obras, cuando las expongo al mundo. Con cada exposición siento que estoy mostrando una parte oculta de mí. Cada vez que tengo alguna sensación de desnudez. A veces también descubro cosas sobre mí mismo al mirarlas en un escenario diferente, un espacio diferente a mi taller.

Adina comenzó a dibujar cuando era niña, asistió a una escuela secundaria profesional y luego a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Artes de Bucarest. Fue becaria Nicolae Iorga del Instituto Rumano de Cultura e Investigación Humanística de Venecia, y desde 2011 vive en Venecia.

En las líneas siguientes, Adina Plugaru habla de su relación con el arte, cómo supera los periodos de bloqueo, cuáles son las sensibilidades del proceso creativo y cómo ve el papel de los artistas en el 2022.

Cómo empezó la relación con el arte

Mi relación con el arte comenzó en la escuela primaria, cuando mi maestra me dijo que yo tenía mucho talento y que debía ir a una escuela secundaria de arte.

La verdad es que mi madre y mi padre dibujaban mis dibujos. Quería ir a la escuela secundaria deportiva, jugar baloncesto, pero mi padre estaba en contra. Entonces, siguiendo los consejos del maestro, mis padres me inscribieron en la escuela secundaria de arte Dimitrie Cuclin a partir del quinto grado.

Para ser aceptado hice el examen, y en la prueba de dibujo mis competidores tenían mucha más experiencia. Sin embargo, pasé; así descubrí que me gusta dibujar. Más tarde los profesores me dijeron que tenía talento y no tuve más remedio que creerles.

En el duodécimo grado, debido a las ausencias, estuve dos veces en peligro de ser expulsado. La segunda vez me arriesgué incluso a no poder continuar mis estudios, al no poder hacer el examen en la Universidad Nacional del Arte. Entonces todos los maestros de educación especial saltaron en mi defensa, argumentando que yo era demasiado talentoso para ser expulsado de la escuela secundaria.

Ahora, para mí, el arte se ha convertido en una adicción. En el sentido de que es parte de mí, si no estoy trabajando, es como si no tuviera sentido. El arte se convirtió en mi forma de expresarme.


Juegos de mesa @ Adina Plugaru

Cómo ha cambiado la perspectiva del arte

Esa es una pregunta difícil.

Nunca he pensado mucho, nunca he analizado y nunca he tenido el problema de que ser artista es un papel. Para mí, se convirtió en una forma de ser. La identidad del artista está tan profundamente entrelazada con lo que soy, dentro de mí, que no puedo desvincularme de ella.

Todavía me cuesta entender la palabra “artista”, porque parece pretenciosa y, a veces, se usa sin sentido. La gente lo usa como plantilla, sin profundidad.

Creo que cada uno de nosotros elige la forma en que mejor nos comprende. Elegí la imagen, pero mis ideas parten siempre de los obstáculos comunicativos que surgen de las palabras, cuyo significado cambia según quien las utilice. Cada uno de nosotros asigna un significado personal a las palabras; por lo tanto, incluso cuando hablamos el mismo idioma, tenemos la impresión de que no nos entendemos.


Mil momentos @ Adina Plugaru

Si pienso en el arte más allá de lo que hago, si lo analizo como un fenómeno cultural, social, me parece que ahora está más contaminado por objetivos comerciales y políticos que nunca.

Para mí, el propósito principal del arte es enriquecer, calmar, dirigirse a todos, no solo a los conocedores. Ahora parece que se ha convertido en un fenómeno exclusivo, el texto curatorial parece más importante que las propias obras, todo está hecho para escandalizar. Pero la mayoría de los trabajos son superficiales, de primera mano; Ya no detecto ninguna búsqueda personal, todo parece surgir únicamente de la necesidad de impresionar.

No creo que para impresionarte con una obra artística tengas que tener una cultura específica, una educación específica. El arte debe poder enriquecer a cualquiera, brindar placer a cualquiera, independientemente de su nivel de ingresos, educación, cultura, etc.

Desde mi perspectiva, el gusto estético no se trata de educación, ¡es algo con lo que se nace! A veces se puede notar más gusto estético en la casa de una familia campesina sencilla que en la casa de una familia con cierta posición social.

Creo que ahora soy más consciente de lo que hago, tengo una búsqueda mucho mejor dirigida que en el pasado.

La exposición “Percepción solo para uso personal”

No empiezo a trabajar pensando que tengo que hacer una exposición. Pinto porque tengo algo que comunicar, en ese momento me preocupa o me apasiona un tema determinado. A través de lo que elijo hacer, también respondo ciertas preguntas relacionadas con lo que me sucede, en mi vida diaria, durante ese período.

La serie de obras de la exposición Percepción para uso personal solo comenzó a tomar forma durante el período de confinamiento al comienzo de la pandemia. Venía después de 4 años en los que había dejado de pintar, solo dibujaba, robado de las prisas y las limitaciones de la vida cotidiana.

Con la pandemia, cuando sentí que el mundo estaba cambiando a mi alrededor y no sabía qué y cómo, volví a ser un observador más activo, es decir, volví a pintar. Sentí la necesidad de volver al color, porque el blanco y negro ya definía el mundo exterior.

En la exposición hay 9 pinturas, 13 dibujos y 5 obras de cerámica. El trabajo en ellos abarca dos años, básicamente, desde que comenzó la pandemia.

Nunca hubo un momento “difícil” cuando estaba trabajando. La parte más difícil es cuando expongo las obras, cuando las expongo al mundo. Con cada exposición siento que estoy mostrando una parte oculta de mí. Cada vez que tengo alguna sensación de desnudez. A veces también descubro cosas sobre mí mismo al mirarlas en un escenario diferente, un espacio diferente a mi taller. Creo que este es el momento más duro y siempre lo percibiré como tal.

Afortunadamente, la simbiosis entre Roxana Sava y yo, con quien creo y organizo mis exposiciones, me ayuda. “Perception only for personal use” ya es la cuarta colaboración que lanzamos al mundo y tenemos grandes planes para el futuro.

Ella es la persona con la que siempre hablo de mis inquietudes artísticas, después de lo cual ella pule el concepto dándole forma a nivel de palabra. Juntos también elegimos el nombre de la exposición, en el que sintetizamos la idea de no influir en la percepción de las personas que miran mis obras, tratamos de sugerir que cada uno debe crear una historia personal a partir de la observación de cada obra y de la exposición. como un todo.

¡También me gustaría agradecer a Roxana en esta ocasión!

¿Qué esperas que se quede la gente después de verlo?

Espero que se sientan enriquecidos. Me parece, por las reacciones, comentarios y preguntas que he recibido, que esto sí está sucediendo. Me complace que todo tipo de personas se detengan, miren, pregunten, descubran cosas sobre sí mismos. A veces se vuelven hacia mí: ¿Es eso realmente lo que quisiste decir? La gente trata de validar de alguna manera sus interpretaciones personales.

Poco a poco se crea un diálogo del que todos se benefician. Creo que una obra, desde el momento en que se mira, empieza a pertenecer al espectador.

Cuando elegí el nombre “Percepción solo para uso personal” para la exposición, no quería sabotear, cerrar dentro de ciertos límites fijos el pensamiento, la emoción, la experiencia. Me alegra mucho cuando veo que los visitantes entienden, perciben directamente las obras, no sienten la necesidad de buscar primero una interpretación en el texto curatorial. Solo después de admirarlos llegan a leer el concepto “oficial” de la exposición.

Esta es la primera vez que invierto mucho tiempo en encontrar los mejores nombres para mis obras. La idea de usar nombres largos y poéticos surgió de la curadora y amiga mía, Roxana, y me complació descubrir que los visitantes de la exposición estaban intrigados y encantados con ellos. Las fórmulas abiertas funcionan como una invitación, como un estímulo, pero el espectador debe completar la historia para luego crear su propia experiencia.


Dispersos en el mosaico de una cara @ Adina Plugaru

¿Cómo te sientes cuando terminas de trabajar en una exposición?

Al principio no entiendo, preocupado por la organización logística de la exposición. Empiezo a darme cuenta de que es el final de una etapa con la apertura. Es como cerrar un libro, tengo la misma sensación de tristeza mezclada con satisfacción. Desearía tener algo más que decir, pero siento que este discurso ha terminado.

No propongo un intervalo específico antes de comenzar un nuevo proyecto. Debido a que trabajo constantemente, sin descansos, en algún momento el concepto comienza a tomar forma por sí solo, los hilos conductores entre las obras se vuelven evidentes.

el proceso creativo

Trabajo casi todo el tiempo. Siento la necesidad de dibujar al menos una línea todos los días.

No podría decir que tengo modales. Me gusta alternar entre la pintura y el dibujo. Elijo tomar “descansos” donde solo uso blanco y negro entre los momentos en que uso color.

Mientras trabajo, escucho viejas obras de radio en rumano. Me gusta la riqueza y sonoridad de las palabras, la emoción en las voces de los actores. Entre ellos se encuentran audiocuentos que me conectan con mi infancia, a través de los cuales mantengo la conexión con el pasado, una de mis fuentes de inspiración.

Al mismo tiempo, tengo períodos en los que rechazo las palabras y escucho mucha música clásica o instrumental.

Períodos de bloqueo

Sí, también tengo apagones. Algunos más cortos, otros más largos, de varias semanas o meses.

Siento que mi proceso artístico es una especie de metabolismo: tengo que alimentarme de experiencias, luego darme tiempo para procesarlas, luego extraer de ellas la esencia y alimentar con ella mi impulso creativo. Así que espero y dejo que el proceso siga su curso porque sé que no durará para siempre. Siento, instintivamente, que en algún momento reaparecerá la necesidad de trabajar. Hasta ahora no me he equivocado 🙂

“Lo que el artista quería decir”

La experiencia artística es un acto de co-creación en el que yo, el artista (¡ah, no me gusta nada esa palabra!) y el espectador contribuimos por igual a la creación de la emoción, el significado, el acto. Es un diálogo no verbal y nada racional.

Las obras serían un monólogo si no las exhibiera, si las guardara solo para mí. Comienzan a vivir el momento en que son mirados y desencadenan una respuesta, una reacción en el espectador.

No creo que sea importante que el espectador entienda lo que estaba pensando el artista. Me gustaría que quienes miran mis obras sintieran la emoción, y así entrar más en contacto con sus propias emociones.

“Comprender” presupone un proceso racional, un análisis lúcido, o en el arte creo que es mejor dejar la razón en suspenso.

Cómo medir el éxito de un artista de nueva generación

No sé. No tengo idea si puedo llamarme un artista exitoso o no, porque no sabes cuáles son los criterios para esta definición.

Me considero exitoso cuando veo las reacciones de quienes ven mis obras. No sé si esta es la respuesta que esperabas.

Me parece que el “éxito” se ha convertido en una noción muy subjetiva, y depende mucho de lo que te propongas. Me doy cuenta de que cuando la gente sale de mi galería o estudio, todavía están pensando en lo que vieron. Sus pensamientos no saltan inmediatamente a las compras que tienen que hacer, la mente no vuelve a entrar automáticamente en la rutina, en la planificación. Continúan el diálogo consigo mismos y procesan lo que vieron y sintieron. Para mí, esto es un éxito.

Cómo ha cambiado la relación de las personas con el arte

Me parece que después de la pandemia mucha gente se ha (re)interesado por el arte. ¿Quizás porque allí los llevó su búsqueda de certezas?

Noté que muchas personas a mi alrededor comenzaron a crear con medios artísticos, ya sea bordando, cosiendo, pintando, cantando o escribiendo. Redescubrieron el lado creativo que habían olvidado. Esto me parece muy bonito y solo puede traer cosas buenas.

Las cosas artesanales se han vuelto más valiosas, como en un intento de compensar la velocidad de la tecnología, acelerada en los últimos años. Siento que volver al arte se trata de recordar lo que significa ser humano y por qué eso es precioso. Espero que el arte nos ayude a equilibrar nuestras emociones, a estar cerca de las cosas que realmente importan.


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